À droite : Hashira-e (impression de pilier japonais) représentant un Shoki d'Okumura Masanobu de la collection de la galerie Edo Okumura Masanobu, artiste japonais légendaire du XVIIIe siècle, est réputé pour ses chefs-d'œuvre illustrant divers aspects de la vie quotidienne, de l'histoire et de la mythologie. Parmi ses nombreuses œuvres remarquables figure un hashira-e captivant intitulé « Shoki the Demon Queller ». Cet article explore le génie d'Okumura Masanobu et approfondit la signification de son portrait de Shoki, le personnage légendaire qui combattit les démons. On dit qu'il a été l'inventeur de l'estampe japonaise à piliers (Hashira-a) – un style d'estampe japonaise populaire pendant la période Edo. Il a acquis une renommée considérable pour ses contributions au développement du genre ukiyo-e, en particulier son expérimentation de nouvelles techniques et de nouveaux sujets. Né à la fin du XVIIe siècle (période japonaise Edo de 1686), Okumura Masanobu a commencé sa vie à une époque de grande paix et de prospérité pour l'île du Japon. Ses citoyens, au début du règne des Tokugawa, furent débarrassés de presque toute influence occidentale après une violente purge de toutes choses et de tous les hommes, en particulier ceux liés au catholicisme. La purge n’a laissé aucun survivant occidental, prêtre jésuite ou converti japonais, un génocide de vingt ans laissant une facture de boucher estimée à environ 50 000. En 1630, tous les contacts avec le monde extérieur se limitaient à une seule petite île, léguée aux Néerlandais, tolérée simplement parce qu'ils n'imposaient pas d'enseignements chrétiens aux Japonais, les seuls Occidentaux suffisamment intelligents pour rester impartiaux face au fanatisme qui balayait le monde. rois et reines du monde occidental – une course effrénée impérialiste pour conquérir et convertir autant d’âmes païennes et de terres barbares au christianisme. L’appel aux armes du Vatican et la course entre les nations européennes et leurs les rêves impérialistes d’établir autant de colonies que possible parmi les païens du Nouveau Monde. Les catholiques non fanatiques, dont un grand nombre de chrétiens japonais nouvellement convertis, dirigés par le shogunat Tokugawa, ont été jetés dans la société par le système de classement féodal favorisé par ceux qui suivaient les écoles de pensée confucéennes fortement influencées par la religion bouddhiste. C'est en raison de cette période d'isolement et de prospérité que la classe des samouraïs japonais et les artisans ont afflué vers les villes japonaises. L’art, la littérature, la poésie et le théâtre ont tous prospéré sous ce système. La riche classe des samouraïs avait besoin d'objets qui symbolisaient leur richesse et leur pouvoir, alimentant une industrie d'artisans rivalisant dans leur métier pour transformer des objets du quotidien en chefs-d'œuvre. Bouteilles de laque, vaisselle, gravures sur bois, forgerons d'épées, fabricants de bouteilles, bijoutiers, façonnant des œuvres d'art à partir des choses les plus simples. Alors que la gestion de l'argent était considérée comme indigne de la classe des samouraïs, elle est devenue une partie inévitable de la vie quotidienne, une nécessité qui a accordé un nouveau pouvoir aux classes inférieures, égalisant les règles du jeu entre les 5 % de samouraïs au pouvoir et les classes d'artisans et de marchands. . L'art et la créativité ont prospéré dans l'atmosphère de ce que les Japonais appelaient « le monde flottant », les quartiers de plaisir en plein essor ont nourri une riche culture japonaise, capturée et représentée en ukiyo-e par les célèbres artistes japonais de la gravure sur bois qui ont repoussé les limites du monde. forme d'art de la gravure, développant un moyen de produire en masse leur art et de le diffuser auprès des masses. Ils ont créé des livres, des journaux à potins, des promotions de théâtre (surimono), des pièces de théâtre Kabuki et des représentations de célèbres belles bijin-ga et geishas, ​​en plus des célèbres paysages de Hokusai et Hiroshige. À gauche : Shoki traversant le pilier crée l'illusion d'apercevoir le Shoki comme s'il passait devant une porte ouverte. (image de Wikipédia) On peut attribuer à la gravure sur bois le mérite d'avoir contribué à diffuser l'alphabétisation parmi la population masculine et féminine au cours de la période Edo, ce qui a aidé les Japonais à entrer dans une ère industrielle assez rapidement après la chute du shogunat. Masanobu, peintre et éditeur de livres illustrés, a introduit des innovations dans la technique d'impression sur bois et de conception d'impression au Japon.Masanobu a appris lui-même la peinture et les gravures en étudiant les œuvres de Torii Kiyonobu (mort en 1729), commençant ainsi sa carrière d'imitateur de Torii. Vers 1724, Masanobu devient éditeur de livres illustrés et publie ses propres ouvrages. Il fut l’un des premiers à adopter une perspective occidentale à travers les estampes chinoises disponibles à Edo à cette époque. Il a réalisé des gravures à grande échelle représentant des scènes telles que l’intérieur de théâtres, de magasins et de somptueux quartiers d’habitation. De telles impressions étaient appelées impressions uki-e (« image imminente ») en raison des effets de perspective de raccourci qu’elles produisaient. Il aurait également fondé le format du habahiro hashira-e, ou impressions verticales larges. Son style se distinguait par sa vivacité, ses lignes douces et gracieuses, qui faisaient également preuve de retenue et de dignité. Okumura Masanobu exécute le Shoki dans le style urushi-e caractéristique des lignes noires épaisses et fluides dont il est considéré comme un maître. Il est également le premier artiste à commencer à expérimenter le format hashira-e. Les estampes sur piliers sont devenues extrêmement populaires au cours de la période Edo, car leur format étroit créait des caractéristiques de conception intéressantes que les artistes pouvaient explorer. Malheureusement pour nous, cela signifie également que les exemples intacts d’estampes de piliers sont rares, car les gens en décoraient réellement leurs maisons. "Shoki the Demon Queller", souvent appelé, met en valeur les compétences et la créativité exceptionnelles de Masanobu en tant qu'artiste. La pièce représente Shoki, une figure mythologique issue du folklore chinois, connue pour sa capacité à éloigner les mauvais esprits et les démons. Shoki est souvent représenté portant des vêtements élaborés, brandissant une épée et possédant la force nécessaire pour vaincre toute force malveillante. La représentation de Shoki par Masanobu dans « Shoki the Demon Queller » suit l’iconographie traditionnelle associée à la figure mythologique. Shoki est représenté dans une pose dynamique, comme s'il était capturé au milieu de l'action, incarnant sa capacité à se déplacer rapidement et de manière protectrice. L’attention méticuleuse de l’artiste aux détails est évidente dans le rendu complexe de l’expression faciale intimidante de Shoki, exprimant à la fois son courage et sa détermination. De plus, l’utilisation magistrale du mouvement par Masanobu dans cette estampe sur bois est vraiment captivante. Il manipule soigneusement les lignes et les formes et crée une impression de dynamisme. Les robes fluides, les cheveux en cascade et les nuages ​​tourbillonnants contribuent à l’énergie de la composition, renforçant finalement l’appréciation du spectateur de la présence héroïque de Shoki.Le choix de représenter Shoki comme le point central de l’œuvre illustre la vision artistique de Masanobu. En isolant et en magnifiant la figure de Shoki, l'artiste souligne son importance dans le domaine du folklore et de la mythologie japonaise. Le rôle de Shoki en tant que protecteur contre les maux et les démons fait écho à la croyance populaire de la période Edo selon laquelle la pièce a été créée, reflétant le besoin sociétal de gardiens et de héros surnaturels. "Shoki the Demon Queller" met en valeur les prouesses techniques de Masanobu et sa maîtrise de l'impression sur bois. Son utilisation habile de la couleur, de la texture et des ombres crée une pièce visuellement époustouflante, à la fois esthétique et riche sur le plan thématique. La palette vibrante de la composition renforce le sentiment de drame et d’intensité, transmettant efficacement la bataille éternelle entre le bien et le mal, qu’incarne Shoki. Nous soulignons l’importance de cette œuvre particulière dans l’œuvre de l’artiste. Non seulement il s’agit d’un chef-d’œuvre à part entière, mais il représente également la capacité de l’artiste à capturer des mouvements dynamiques et à transmettre des récits intemporels à travers ses œuvres. En conclusion, l’héritage artistique d’Okumura Masanobu continue d’inspirer et de captiver le public même des siècles après son décès. Les hashira-e (gravures en piliers) de Masanobu représentant « Shoki » restent une représentation exceptionnelle de son génie, démontrant sa capacité à insuffler de la vie et du mouvement dans ses gravures sur bois. Sa représentation habile du Shoki, exécutée avec ses lignes noires épaisses et fluides, capture le démon quer à mi-chemin figé dans l'espace et le temps, comme si nous assistions à cette légende passer devant la porte de notre chambre. dans les limites de l’étroit pilier japonais. A droite : Masanobu « Le Père du Pilier Japonais ». Les lignes et la forme sont exécutées de façon magistrale, tout comme l'utilisation par Masanobu des limites étroites de l'espace inhérentes aux conceptions hashira-e.

Hiroshi Yoshida était un peintre et graveur sur bois japonais du XXe siècle. Il est considéré comme l’une des figures marquantes du renouveau de la gravure japonaise après la période Meiji en 1912. Hiroshi Yoshida est né le 19 septembre 1876 dans la préfecture de Fukuoka à Kyushu, dans le sud du Japon. Il est né Hiroshi Ueda, le deuxième fils d'Ueda Tsukane, professeur d'école issu d'une vieille famille de samouraïs. Mais en 1891, il fut adopté par son professeur d'art, Yoshida Kasaburo, et prit son nom de famille. À 19 ans, il est envoyé à Kyoto pour étudier auprès de Tamura Shoryu, un professeur bien connu de peinture de style occidental. L'année suivante, il part à Tokyo pour rejoindre une école privée où il rejoint également la Meiji Fine Arts Society. Ces institutions enseignaient et encourageaient la peinture de style occidental après l'ouverture du Japon en 1868, après 200 ans de règne du shogunat. Yoshida a beaucoup voyagé, son portefeuille de créations provenait de monuments célèbres, exécutés dans le style artistique traditionnel japonais, mélangé à sa formation en Occident. Le Taj Mahal, le parc national de Yosemite et le Grand Canyon sont quelques zones remarquables qu'il a incorporées dans ses gravures. Below Night in Taj Mahal No. 6 De 1899 à 1901, Hiroshi Yoshida effectue le premier de ses nombreux voyages aux États-Unis et en Europe, où il expose avec succès, noue des liens artistiques et vend ses aquarelles. Sa première exposition américaine a lieu au Detroit Museum of Art (aujourd'hui Detroit Institute of Art). En 1902, Hiroshi a co-fondé la Taiheiyo-Gakai (Organisation de peinture du Pacifique) et son marché en Occident pour son travail et s'est rendu aux États-Unis, en Europe et en Afrique du Nord en 1903-1907 avec sa demi-sœur et collègue artiste Fujio (la fille de son père adoptif), qu'il épousa à leur retour. À partir de cette date et jusqu'en 1920, il se concentre sur les huiles et les aquarelles dans le style léger et aérien qu'il a appris en Occident. En 1920, Yoshida présente sa première estampe sur bois au Watanabe Print Workshop, organisé par Watanabe Shōzaburō (1885-1962), éditeur et défenseur du mouvement shin-hanga, qui recherchait un artiste de style occidental pour créer des estampes japonaises traditionnelles. . Tragiquement, le 1er septembre 1923, le grand tremblement de terre de Kanto a provoqué un désastre dans la zone métropolitaine de Yokohama-Tokyo, qui a presque entièrement brûlé. Avec un paysage urbain entièrement constitué presque entièrement de bois, les incendies étaient un problème fréquent, car ce n'était pas la première fois que des incendies non maîtrisés détruisaient Tokyo. La maison de Yoshida a été incendiée, ainsi que les planches de bois et les dessins originaux qu'il avait conservés. Les mêmes incendies ont détruit presque tous les premiers croquis et peintures de Kawase Hasui ainsi que l'atelier de gravure de Watanabe Shozuburo. Les planches de bois originales de presque tous les artistes de shin hanga utilisant l'atelier de Watanabe vers 1923 sont parties en fumée, perdues pour le monde. Morning mist on Taj Mahal no. 5 Dans les années qui ont suivi la catastrophe, Watanabe a assoupli sa politique stricte qui, avant le tremblement de terre, limitait le nombre de tirages de la première édition à un maximum de 100 à 200 tirages. Les numéros des deuxième et troisième éditions variaient en fonction de la popularité du design, se situant généralement entre 200 et 400. Alors que Watanabe et sa liste d'artistes vedettes du shin hanga commençaient à rassembler les morceaux de l'œuvre de leur vie, il publiait maintenant parfois 300 tirages dans la première et des quantités encore plus importantes de deuxième et troisième éditions, dont beaucoup ne portent aucune marque. à l'édition. Beaucoup de ses dessins les plus vendus ont été regravés, certains dessins auraient été imprimés entre dix et vingt mille fois, bien que personne ne puisse en être sûr. Yoshida repartit aux États-Unis pour collecter des fonds pour lui-même et pour les autres ; il parcourut l'ouest des États-Unis et se rendit compte que d'excellentes gravures étaient très recherchées en Amérique du Nord. À son retour, il crée son studio et commence à produire ses créations sous forme imprimée. À partir de 1925, Yoshida consacre sa carrière aux estampes, supervisant tous les aspects de leur production et appliquant des normes très élevées. En 1931, une série de gravures représentant des scènes de l’Inde, du Pakistan, de l’Afghanistan et de Singapour fut publiée.Six d'entre elles étaient des vues du Taj Mahal dans différentes ambiances et couleurs. Les gravures sur bois originales de Hiroshi Yoshida sont conservées dans plusieurs musées à travers le monde, dont le British Museum, le Toledo Museum of Art, le Brooklyn Museum et la Harvard Art Collection. Le processus traditionnel de création d’estampes japonaises sur bois nécessitait trois compétences strictement distinctes : l'artiste qui a conçu le sujet de l'impression, le sculpteur et enfin l'imprimeur et l'éditeur. Contrairement à cette approche traditionnelle, les artistes sosaku hanga pensaient que le processus de création d'une estampe - conception, entretien, impression - devait être réalisé par l'artiste lui-même. Les impressions de cette période étaient scellées avec le sceau Jizuri -Jizuri signifiant auto-imprimé et vise à montrer le fait qu'il a joué un rôle majeur dans le processus d'impression. Dans l'imprimerie de Watanabe, les peintres, les sculpteurs et les imprimeurs avaient une contribution égale, l'éditeur étant le directeur ultime. Hiroshi Yoshida croyait que le peintre, en tant que créateur initial du dessin, devait avoir l'autorité suprême et qu'en tant que peintre, il devait superviser les sculpteurs et les imprimeurs et, ce faisant, diriger chaque étape de la production. L'une des raisons pour lesquelles il s'est séparé de sa précédente association avec Watanabe Print Shop : était d'avoir un contrôle total sur ses tirages, de la peinture à l'impression. Il a déclaré qu'il avait besoin de plus de compétences que les artisans qu'il supervisait pour utiliser pleinement leurs talents. Il s'est donc constamment efforcé d'élargir ses connaissances sur les techniques de sculpture sur bois et d'impression. L'art de Hiroshi Yoshida a favorisé une lignée artistique qui a maintenu sur quatre générations l'héritage familial de Yoshida, dont deux des fils de Hiroshi, Toshi Yoshida 吉田 博 (191,1-1995) et Hodaka Yoshida (1926-1995). Comment identifier une signature Hiroshi Yoshida ? La signature d'Hiroshi Yoshida peut varier en fonction des impressions ou du marché ciblé. Certains exemples d'impression comportent des signatures japonaises à l'encre Suma. Au-delà du graphisme, la signature de Hiroshi Yoshida a de nombreuses utilités. Finalement, le tirage de Hiroshi Yoshida attendait une demande et l'a signé. Les estampes de Hiroshi Yoshida ont des valeurs variées allant de centaines à plusieurs centaines. Qu’est-ce qui détermine la valeur des estampes de Hiroshi Yoshida ? Les types d’œuvres d’art et leur qualité affectent la valeur de l’œuvre d’art. Plusieurs variétés dans les œuvres d'Hiroshito Yoshida aident à identifier sa création. Les gravures avec des inscriptions de couleur rouge sont considérées comme les plus précieuses car elles sont relativement rares, car la plupart des sceaux jizuri portent des estampilles noires et brunes. Oeuvres d'art japonaises et gravures sur bois de Hiroshi Yoshida Taj Mahal (1932) Hiroshi Yoshida, Brumes matinales du Taj Mahal, N°5 Les peintures du Taj Mahal de Hiroshi Yoshida montrent quelques images capturées par Yoshida lors de ses voyages au cours de sa carrière. Le soleil éclatant de l'Inde offre à Yoshida une atmosphère optimale pour équilibrer l'air frais apporté par les arbres et les ombres. Le Taj Mahal s'est toujours démarqué à cet égard. Fidèles à leur habitude, les personnages représentés par l'artiste Hiroshi Yoshida portent des couleurs colorées pour distinguer leur environnement et donner une profondeur plus profonde à l'environnement. Cour du Temple (1935) Les vues panoramiques de The Temple Yard capturent la capacité de Yoshida à intégrer la couleur, la forme et la couleur de manière transparente. Les fleurs de cerisier et le ciel rose contrastent avec les nuances de bleu qui créent un contraste en arrière-plan. Le temple est au centre et les kimonos brillants des femmes attirent le regard vers la scène. Parmi ses nombreux talents, Yoshida était un photographe doué. Le reflet sur le lac est imparfait, il est donc facile d'imaginer les eaux touchées. Pittsburgh (1928) Il mesure 14x5 pouces. Hiroshi Yoshida a également convoqué la soirée à Pittsburg. Il a réalisé ces gravures sur bois en 1928. Les ciels doux contrastent avec les couleurs profondes et maussades sur un pont/bateau. Un espace négatif représentant un brouillard peut être agrandi à l’aide d’une lumière jaune chaude qui éclaire le bateau en se réfléchissant sur sa surface. Hiroshi Yoshida, dans le Templeyard. Grand Canyon (1925) Les impressions du Grand Canyon mesurent 11,5x16 pouces. Le bleu vif et les oranges apportent de la dimension aux canyons, tandis que le bleu, le vert et le gris plus profonds améliorent le contraste, donnant l'impression que le soleil illumine une partie. Mont Rainier (1925) Parmi les premières œuvres de Yoshida, ce tableau représente le paysage américain. La pièce mesure 15x21 pouces et est un format plus grand pour l'artiste. Yoshito, Taj Mahal numéro 1. Pont Kameido (1927) Kameido Bridge fait partie de la série en 12 parties connue comme le chef-d'œuvre de Hiroshi Yoshida. Il compte 75 tirages. Son contraste caractéristique entre les nuances de rose et de bleu se retrouve sur des teintes plus foncées. Autres oeuvres de l'artiste : Ferme Noka par Hiroshi Yoshida Jizuri Seal Fujiyama d'Okitsu par Hiroshi Yoshida Jizuri Seal Nuit à Kyoto de Hiroshi Yoshida Un aperçu du parc d'Ueno par Hiroshi Yoshida Jizuri Seal Le cerisier de Kawagoe de Hiroshi Yoshida Omuro de Hiroshi Yoshida Pluie de printemps à Yozakura par Hiroshi Yoshida Jizuri Seal Plum Gateway par Hiroshi Yoshida Jizuri Seal Dans la cour d'un temple par Hiroshi Yoshida Porte du temple Chion-in par Hiroshi Yoshida Maison de thé dans le jardin d'azalées par Hiroshi Yoshida Jizuri Seal TROIS PETITES ÎLES de Hiroshi Yoshida JOUR BRUQUÉ À NIKKO KAGURAZAKA DORI APRÈS UNE NUIT DE PLUIE COURT MÉTRAGE NOUVEAU Allée des cerisiers par Hiroshi Yoshida Jizuri SeaL Qu’est-ce que le style Shin Hanga ? Shin hanga - un mouvement artistique japonais qui intègre des éléments occidentaux à l'estampe japonaise traditionnelle. Au lieu d'imiter un style artistique occidental, ce mouvement se concentrait principalement sur des sujets traditionnels tels que les paysages, les belles femmes et les portraits d'acteurs.

An Edo Gallery Blog Ci-dessus : N° 23 Morozumi Bungo-no-kami Masakiyo, d'Utagawa Kuniyoshi (1797-1861), tiré de sa série Généraux courageux des provinces de Kai et d'Echigo : Les vingt-quatre généraux du clan Takeda (Kôetsu yûshô den, Takeda ke nijûyon shô) publié entre 1848 et 1849 (Image fournie par une collection privée 2023). Faut-il s'étonner pourquoi le seigneur de Bungo Morozumi Masakiyo, un fidèle serviteur de l'ancienne maison Tekada, considéré comme l'un des vingt-quatre compagnons légendaires en qui le daimyo Takeda Shingen de la province de Kai avait le plus confiance, meurt deux fois ? Ou est-ce qu'il... Le Seigneur de Bungo, refusant simplement de "partir en paix" à moins de subir le sort de la mort ou la tache de la défaite de la part de ses ennemis, claque d'abord la poignée de son katana, les gantelets serrés sur le vol nu guidant simultanément sa pointe dans sa gueule démoniaque faisant exploser une mine terrestre. , commettant le seppuku de façon explosive, son honneur intact. Véritable adepte du « code bushido », le geste « à bientôt en enfer » de Masakiyo devient inscrit dans la tradition des samouraïs japonais alors qu'il meurt l'une des trois morts glorifiées lors des batailles qui ont eu lieu entre les troupes de Takeda Shungen de la province de Kai et Kenshin. Tora de la province d'Echigo entre 1553 et 1564 à Kawanakajima. Ci-dessous : La bataille difficile de Masakiyo tirée des Chroniques de Taiheiki (Taiheiki Masakiyo nansen no zu) par Tsukioka Yoshitoshi. Élève ardent et protégé de l'école de Kuniyoshi, Yoshitoshi (l'imitation étant le respect ultime), rend hommage au génie de son défunt maître en triple exemplaire avec son propre chef-d'œuvre. Alors, qui est ce Masakiyo de l'explosion de Kuniyoshi représenté à nouveau dans le triptyque de Yoshitoshi ? J'ai commencé à me heurter à des divergences quant à savoir qui était réellement Masakiyo, tel que décrit dans le triptyque de Yoshitoshi. Comme le triptyque de Yoshitoshi est intitulé La bataille difficile de Masakiyo du Taiheiki (Taiheiki, Masakiyo nansen no zu), ce qui suggère que la scène appartient au Taiheiki japonais, une épopée basée sur des événements du 14ème siècle. Cela peut être immédiatement exclu car la poudre à canon n’a pas été introduite au Japon avant deux siècles ! Yoshitoshi a intitulé sa série ainsi afin de passer sous le radar des censeurs politiques du Shogun, contrairement à Kuniyoshi, un protagoniste fréquent des censeurs, qui n'a pas pris la peine d'adhérer à la loi du Shogun, qui censurait toute publication glorifiant les héros samouraïs ou leurs batailles. à la fin du XVIe siècle, période menant à ce qu'on appelle la période Edo. Le shogunat Tokugawa était particulièrement sensible à cette période, car le clan Tokugawa subit des défaites majeures face au clan Tekada. Ce n'est qu'après une trahison des alliés les plus proches de Tekada qui permit à Ieyasu Tokugawa de finalement unifier à nouveau le Japon sous un shogunat. La période Edo marque l'ascension de Tokugawa Ieyasu au rang de Shogun, qui établit la ville d'Edo comme capitale et ainsi le début du shogunat Tokugawa en 1604. Le triptyque Explosion de Yoshitoshi était le premier dessin des deux « explosions » que j’avais vu. Je ressens souvent des moments de nostalgie en regardant des anime ou des bandes dessinées modernes, je vois et ressens souvent l'influence de Yoshitoshi et je me dis : "Tous les chemins mènent au génie de Yoshitoshi". Cette perspective a changé ; cependant, au moment où j'ai vu l'impression "Explosion" de Kuniyoshi, la voix dans ma tête a murmuré : "Aha, toutes les explosions mènent à Kuniyoshi." En recherchant le titre de l'estampe sur Google, il m'est venu à l'esprit que les deux estampes faisaient référence à un personnage nommé Masakiyo, et en tant qu'élève de Kuniyoshi, Yoshitoshi a fait un petit emprunt créatif à Kuniyoshi, la voie du génie aussi, ou comme le dit succinctement Einstein, "Il se tenait sur les épaules de géants. J'ai cependant été consterné par les références à Masakiyo au surnom de Sato Masakiyo pour le réel (Katō Kiyomasa), à ne pas confondre avec le général Morozumi Masakiyo de l'estampe de Kuniyoshi. J'ai pensé, attends une minute, ça ne peut pas être vrai. Kato Kiyomasa, souvent célébré et largement représenté par le théâtre kabuki, bien que célèbre pour ses exploits héroïques au combat, n'est jamais mort au combat ; il est mort à l'âge de 81 ans après avoir été empoisonné par Ieyasu Tokugawa ! Après avoir vu les deux "explosions", quelques semaines se sont écoulées et Eurika ! Dans le marasme solitaire du petit matin, le génie en moi est entré en action ou a du moins trouvé quelque chose sur quoi s'appuyer. J'ai immédiatement commencé à recadrer le Kuniyoshi-explosion.jpg, en écrivant haut sur mes rêves de référencement, en tapant sur le petit doigt et le doigt de gâchette ctrl + v ; Je l'ai collé juste sous mon titre souligné et enhardi, "Une histoire de deux explosions, Morozumi Masakiyo meurt deux fois, style Ukiyo-e", un blog de la galerie Edo, page d'accueil H1 immobilière, bébé. J'ai dû tomber de mon tabouret parce que c'était il y a deux ans, ou était-ce deux enfants ? Mon référencement élevé, écrasé depuis longtemps par l'équipe marketing de Soken Wix qui spamme mon portable avec leurs indicatifs régionaux chics de Los Angeles ; ça me prend à chaque fois. À suivre....

En 1920, Hasui publie sa première impression de neige qui tombe, qui reçoit un accueil international retentissant de la part des collectionneurs et des critiques, devenant rapidement son thème le plus reconnaissable et le plus désirable. L'effet purifiant de la neige sur le paysage, qui contribue à la tranquillité de la scène avec les temples anciens rouge vif découverts par Hasui autour de Tokyo, reste l'une de ses œuvres les meilleures et les plus originales. Dégagement du ciel après la neige, Temple Kannon Asakusa, Hasui 1926 En 1923, le grand tremblement de terre de Tanto a provoqué des destructions généralisées à Tokyo, principalement à cause des incendies déchaînés qui ont ravagé les structures principalement en bois, dans ce que certains décrivent comme une mer de tornades tourbillonnantes, des murs de feu, provoqués par la colère de Dieu sur les Japonais. La maison de Hasui, ainsi que l’œuvre de sa vie composée de carnets de croquis et de peintures, ont tous été consumés par les flammes. Son principal éditeur, l'atelier de Watanabe Shōzaburō, a également été détruit, perdant toutes les planches de bois sculptées originales d'un certain nombre d'artistes shin hanga. C’est du séisme de Tanto de 1923 que le terme « pré-séisme » est dérivé pour décrire les impressions shin hanga. Les estampes Hasui se répartissent généralement en trois catégories principales, en fonction de l'époque réelle à laquelle elles ont été produites, ce qui est souvent source de confusion et/ou utilisé pour induire les collectionneurs en erreur, car nombre d'entre elles sont vendues sans indication de leur statut d'édition « Afterlife ». Imprimées à ce jour, ces éditions après la mort ont toutes été imprimées soit à partir des blocs originaux qui restent en bon état, soit regravées par S. Watanabe à partir d'une période immédiatement après le tremblement de terre jusqu'à sa mort, soit copiées encore plus tard par le petit-fils de Watanabe, qui dirige désormais le studio. Ces impressions d'au-delà constituent la majeure partie du marché Hasui que l'on trouve aujourd'hui sur de nombreuses listes Internet et offrent à certains collectionneurs un moyen abordable de collectionner/posséder un « Hasui » tant qu'ils ne sont pas vendus dans des conditions trompeuses. À suivre...

Écrit par Roland Oliver Si vous suivez de près les résultats des enchères, vous êtes probablement familier avec les récents prix d'adjudication observés dans les maisons de ventes de New York à Tokoyo. Commençons par le fait que le prix des estampes japonaises augmente à un rythme incroyable. Par exemple, considérons le prix record mondial de 1 million de dollars (+ marteau) par point pour la « Grande Vague » lors de la vente Christie's à New York au Japon le 22 septembre 2020. De l'artiste Katsushika Hokusai. Après déduction des frais d'enchères, cela revient à 1,3 million de dollars. Trois ans seulement après une nouvelle vente Christie's à New York, l'impression médiocre de la « Grande Vague » persistait. a réalisé un prix de 2,8 millions de dollars, soit le double du prix fixé en septembre 2020 en moins de trois ans. Dans le même temps, le monde des gravures sur bois japonaises a également été témoin de ce qui semblait être une coïncidence à l'époque. Une œuvre de l'artiste "Zojoji" Hasui s'est de nouveau vendue chez Christie's pour un prix d'adjudication de 75 000 $. La maison de vente aux enchères Christie's de New York a établi un nouveau record mondial pour un artiste nommé Hasui en remportant une première édition de 80 000 $ de sa dernière estampe connue. Un autre point fort est le prix d'adjudication record du monde obtenu par un surimono représentant une carpe nageant vers le bas, décoré de pigments métalliques. Alors qu'est-ce que cela signifie ? Cela s'ajoute au fait que le prix des records du monde a doublé en seulement trois ans. Les prix du Shin-hanga et du Sosaku-hanga augmentent également globalement. Ces prix survivront-ils aux soldes de la Asia Week cet automne, ou la récente vague de prix records prendra-t-elle fin ? Avec l’économie sous les projecteurs et le monde en proie à une inflation frénétique, les gens recherchent de nouveaux endroits pour garer leur argent. Le monde de l'art japonais se prépare peut-être à une nouvelle vague de prix records cet automne.

Un dragon s'approche du mont Fuji. Page E-hon par Katsushika Hokusai Le terme Ukiyo-e, traduit du japonais, signifie littéralement « images du monde flottant ». Le monde flottant, pendant la période japonaise Edo (1614-1869), était une métaphore décrivant le mode de vie des quartiers de plaisir, des quartiers de divertissement construits et entretenus par une classe marchande montante. Pour comprendre les débuts de ces quartiers de plaisir, nous visitons les débuts historiques du système féodal au Japon qui a commencé des centaines d'années après les États féodaux européens. Pluie de flèches par Kuniyoshi. Des guerriers de la Cour du Sud sous un barrage de flèches provenant des forces du Nord, beaucoup plus nombreuses. Une bataille du Taiheiki, une épopée historique détaillant la chute de la Cour du Sud et l'extinction ultérieure de la lignée des empereurs du Sud. L'ascension du shogunat est marquée par trois périodes distinctes au cours desquelles un shogun, abréviation de seii taishōgun, « général réprimateur des barbares », se plaçait au-dessus du siège de l'empereur impérial divin. Historiquement, le titre de Shogun était un mandat délivré par le gouvernement impérial, élevant le chef de l'une des puissantes familles japonaises au rang de commandant de ses forces militaires. Les premiers Shoguns furent nommés en cas de besoin pour diriger des armées combattant les tribus du nord au début des VIIIe et IXe siècles. Leur pouvoir était limité aux questions strictement militaires. La période Edo a commencé lorsque le chef du clan Tokugawa, Tokugawa Ieyasu, a vaincu les factions de daimyo en guerre, unissant à nouveau le Japon sous son shogunat. En 1603, Tokugawa établit son quartier général dans la ville d'Edo (aujourd'hui Tokyo), marquant le début de la vie au Japon pendant la période Edo. Un artisan fabrique un tonneau. D'après les 36 vues du mont Fuji par Hokusai Le nouveau gouvernement féodal du Shogunat a consolidé le système des castes, divisant les Japonais selon le rang. Au sommet, le Shogun lui-même, de la classe des guerriers, ou plus précisément les guerriers samouraïs fidèles au Shogun, incarnation vivante de la force, de l'honneur et du nom de famille, ces samouraïs pouvaient faire ce qu'ils voulaient en toute impunité. Sous le Shogun, les Daimyos' qui contrôlaient les clans puissants et recevaient des provinces à gérer. Ceux de la classe des guerriers recevaient leur rang à la naissance, car les lignées sanguines des samouraïs se transmettaient par le nom de famille. Les paysans ou les agriculteurs constituaient le citoyen secondaire, aux côtés des artisans, car la force de leur travail produisait les matières premières nécessaires au fonctionnement de la société. Dans le Japon féodal, il était considéré comme indigne des samouraïs, des paysans et des artisans de manipuler de l'argent ou de gagner sa vie grâce au troc et à l'échange. Ce "sale" la tâche était laissée aux rangs les plus bas de la classe marchande ou des gestionnaires d’argent. Pour les Japonais, l'honneur et la famille étaient avant tout, et gagner sa vie en bénéficiant des fruits du travail d'un autre homme était considéré comme déshonorant. Un commerçant achèterait à un homme uniquement pour le revendre à un autre à un prix plus élevé. était considéré comme ne répondant pas à un besoin essentiel de la société et donc « impur ». L'essor de la troisième et dernière dynastie du Shogunat était en grande partie le résultat de la nostalgie des « anciennes méthodes », une société épargnée par les influences étrangères qui commençaient à changer le tissu de la société japonaise. Les Occidentaux avaient débarqué sur l'île du Japon pour la première fois en 1543 et, dans les années 1600, leur influence était considérée par beaucoup comme toxique. Ainsi, l’île du Japon fut fermée à la « barbarie » occidentale et traversa une période de paix et de prospérité relatives. Ce n'est qu'en 1853 que le commodore américain Perry fit entrer quatre navires à vapeur dans le port de Tokyo, forçant le shogunat à ouvrir l'île du Japon à l'ouest. Cerfs-volants volants par Ando Hiroshige. Vers la fin de la période Edo, la classe marchande avait explosé et les besoins en matière de commerce et d'échanges s'étaient développés à un rythme rapide. Les quartiers de plaisance sont rapidement devenus des centres de divertissement pour les Japonais, créant une société au sein du système féodal archaïque, dans laquelle la créativité et la beauté sont devenues la monnaie du royaume. Un monde à flot avec de belles geishas, du théâtre kabuki et des impressions artistiques. rendus en gravures sur bois par les grands artistes de l'ukiyo-e, qui non seulement ont été les pionniers d'une nouvelle forme d'art, mais qui ont également apporté la beauté du Japon et « l'esthétique japonaise » au monde. au reste du monde. immortalisant leur style, leurs perspectives uniques et leur mode de vie pour notre plus grand plaisir visuel pour les générations à venir.