Rechts: Hashira-e (japanischer Säulendruck) mit Darstellung eines Shoki von Okumura Masanobu aus der Sammlung der Edo Gallery OOkumura Masanobu, ein legendärer japanischer Künstler des 18. Jahrhunderts, ist bekannt für seine Meisterwerke, die verschiedene Aspekte des Alltagslebens, der Geschichte und der Mythologie darstellen. Zu seinen vielen bemerkenswerten Werken gehört ein fesselndes Hashira-e mit dem Titel „Shoki the Demon Queller“. Dieser Artikel untersucht das Genie von Okumura Masanobu und geht auf die Bedeutung seiner Darstellung von Shoki ein, der legendären Figur, die gegen Dämonen kämpfte. Er soll der Erfinder des japanischen Säulendrucks (Hashira-a) gewesen sein – einem Stil japanischer Holzschnitte, der während der Edo-Zeit beliebt war. Er erlangte beträchtliche Berühmtheit durch seine Beiträge zur Entwicklung des Ukiyo-e-Genres, insbesondere durch seine Experimente mit neuen Techniken und Themen. Okumura Masanobu wurde Ende des 17. Jahrhunderts (1686, japanische Edo-Zeit) geboren und begann sein Leben in einer Zeit großen Friedens und Wohlstands für die Insel Japan. Seine Bürger wurden zu Beginn der Tokugawa-Herrschaft nach einer gewaltsamen Säuberung aller Dinge und Menschen, insbesondere derjenigen, die mit dem Katholizismus zu tun hatten, von fast jeglichem westlichen Einfluss befreit. Die Säuberung ließ keinen einzigen überlebenden Westler, Jesuitenpriester oder japanischen Konvertiten zurück, ein zwanzigjähriger Völkermord hinterließ eine Metzgerrechnung, die auf etwa 50.000 geschätzt wird. Bis zum Jahr 1630 beschränkten sich alle Kontakte mit der Außenwelt auf eine einzige kleine Insel, die den Niederländern vermacht wurde und nur deshalb geduldet wurde, weil sie den Japanern, den einzigen Westlern, die klug genug waren, dem Fanatismus gegenüber unparteiisch zu bleiben, die christlichen Lehren nicht aufdrängten Könige und Königinnen der westlichen Welt – ein imperialistisches Rattenrennen, um möglichst viele heidnische Seelen und barbarische Länder zu erobern und zum Christentum zu bekehren. Der Aufruf des Vatikans zu den Waffen und der Wettlauf zwischen europäischen Nationen und ihren Imperialistische Träume, möglichst viele Kolonien unter den Heiden der Neuen Welt zu gründen. Nicht-fanatische Katholiken, darunter viele neu konvertierte japanische Christen, die vom Tokugawa-Shogunat regiert wurden, wurden durch das feudale Rangsystem, das von denjenigen bevorzugt wurde, die den stark beeinflussten konfuzianischen Denkschulen der buddhistischen Religion folgten, in die Gesellschaft verbannt. Aufgrund dieser Zeit der Isolation und des Wohlstands strömten die japanische Samurai-Klasse und ihre Handwerker in Scharen in japanische Städte. Kunst, Literatur, Poesie und Theater blühten unter diesem System auf. Die wohlhabende Samurai-Klasse brauchte Gegenstände, die ihren Reichtum und ihre Macht symbolisierten, was eine Industrie von Handwerkern befeuerte, die in ihrem Handwerk miteinander konkurrierten, um Alltagsgegenstände zu Meisterwerken zu machen. Lackflaschen, Geschirr, Holzschnittdruck, Schwertschmiede, Flaschenmacher, Juweliere, die aus den einfachsten Dingen Kunstwerke herstellen. Während der Umgang mit Geld als untergeordnet angesehen wurde, wurde er zu einem unvermeidlichen Teil des Alltagslebens, einer Notwendigkeit, die den unteren Klassen eine neue Macht verlieh und die Wettbewerbsbedingungen zwischen den herrschenden 5 % der Samurai und den Handwerker- und Kaufmannsklassen ausgleichte . Kunst und Kreativität blühten in der Atmosphäre dessen, was die Japaner als „die schwebende Welt“ bezeichneten. Die boomenden Vergnügungsviertel förderten eine reiche japanische Kultur, die von den berühmten japanischen Holzschnittkünstlern, die die Grenzen der Welt erweiterten, in Ukiyo-e eingefangen und dargestellt wurde Sie haben eine Kunstform der Druckgrafik entwickelt und einen Weg entwickelt, ihre Kunst in Massenproduktion herzustellen und sie der breiten Masse zugänglich zu machen. Sie schufen Bücher, Klatschblätter, Theaterwerbung (Surimono), Kabuki-Theaterstücke und Darstellungen berühmter schöner Bijin-ga und Geishas sowie der berühmten Landschaften von Hokusai und Hiroshige. Links: Shoki, der über die Säule geht, erzeugt die Illusion, einen Blick auf den Shoki zu erhaschen, als würde er an einer offenen Tür vorbeischreiten. (Bild aus Wikipedia) Dem Holzschnitt wird zugeschrieben, dass er während der Edo-Zeit dazu beigetragen hat, die Alphabetisierung sowohl der männlichen als auch der weiblichen Bevölkerung zu verbreiten, was den Japanern nach dem Sturz des Shogunats dabei half, recht schnell ein Industriezeitalter einzuleiten. Masanobu, Maler und Herausgeber illustrierter Bücher, führte in Japan Innovationen im Holzschnitt und in der Druckdesigntechnik ein. Masanobu brachte sich selbst Malerei und Druckdesign bei, indem er die Werke von Torii Kiyonobu (gestorben 1729) studierte und so seine Karriere als Toriis Nachahmer begann. Um 1724 wurde Masanobu Verleger illustrierter Bücher und brachte eigene Werke heraus. Er war einer der ersten, der durch die damals in Edo erhältlichen chinesischen Drucke eine westliche Perspektive einnahm. Er fertigte großformatige Drucke an, die Szenen wie das Innere von Theatern, Geschäften und prächtigen Wohnräumen zeigten. Solche Drucke wurden wegen der perspektivischen Verkürzungseffekte, die sie erzeugten, als Uki-e-Drucke („drohendes Bild“) bezeichnet. Er soll auch das Format des Habahiro Hashira-e, der breiten, vertikalen Drucke, begründet haben. Sein Stil zeichnete sich durch seine Lebendigkeit mit sanften und anmutigen Linien aus, die gleichzeitig Zurückhaltung und Würde ausstrahlten. Okumura Masanobu führt den Shoki im typischen Urushi-e-Stil mit dicken, fließenden schwarzen Linien aus, dessen Meister er als Meister gilt. Er ist auch der erste Künstler, der mit dem Hashira-e-Format zu experimentieren beginnt. Säulendrucke erfreuten sich während der Edo-Zeit großer Beliebtheit, da das schmale Format interessante Designmerkmale schuf, die Künstler erkunden konnten. Leider bedeutet dies für uns auch, dass intakte Beispiele von Säulendrucken rar sind, da die Menschen ihre Häuser tatsächlich damit dekoriert haben. „Shoki the Demon Queller“, oft als Schaustück bezeichnet, zeigt Masanobus außergewöhnliche Fähigkeiten und Kreativität als Künstler. Das Stück stellt Shoki dar, eine mythologische Figur aus der chinesischen Folklore, die für ihre Fähigkeit bekannt ist, böse Geister und Dämonen abzuwehren. Shoki wird oft in aufwendiger Kleidung dargestellt, schwingt ein Schwert und besitzt die Kraft, jede böswillige Macht zu besiegen. Masanobus Darstellung von Shoki in „Shoki the Demon Queller“ folgt der traditionellen Ikonographie, die mit der mythologischen Figur verbunden ist. Shoki wird in einer dynamischen Pose dargestellt, als wäre er mitten im Geschehen gefangen, was seine Fähigkeit verkörpert, sich schnell und schützend zu bewegen. Die akribische Liebe des Künstlers zum Detail zeigt sich in der komplexen Wiedergabe von Shokis einschüchterndem Gesichtsausdruck, der sowohl seinen Mut als auch seine Entschlossenheit zum Ausdruck bringt. Darüber hinaus ist Masanobus meisterhafter Einsatz von Bewegung in diesem Holzschnitt wirklich faszinierend. Er manipuliert sorgfältig Linien und Formen und erzeugt ein Gefühl von Dynamik. Die fließenden Gewänder, das herabhängende Haar und die wirbelnden Wolken tragen zur Energie der Komposition bei und steigern letztendlich die Wertschätzung des Betrachters für Shokis heroische Präsenz. Die Entscheidung, Shoki als zentralen Mittelpunkt des Kunstwerks darzustellen, veranschaulicht Masanobus künstlerische Vision. Durch die Isolierung und Vergrößerung der Figur von Shoki unterstreicht der Künstler seine Bedeutung im Bereich der japanischen Folklore und Mythologie. Shokis Rolle als Beschützer gegen Böses und Dämonen spiegelt den in der Edo-Zeit verbreiteten Glauben wider, dass das Stück geschaffen wurde, und spiegelt das gesellschaftliche Bedürfnis nach übernatürlichen Wächtern und Helden wider. „Shoki the Demon Queller“ zeigt Masanobus technisches Können und seine Meisterschaft im Holzschnitt. Sein geschickter Einsatz von Farbe, Textur und Schattierung schafft ein visuell beeindruckendes Stück, das sowohl ästhetisch ansprechend als auch thematisch reichhaltig ist. Die lebendige Palette der Komposition verstärkt den Sinn für Dramatik und Intensität und vermittelt wirkungsvoll den ewigen Kampf zwischen Gut und Böse, den Shoki verkörpert. Wir betonen die Bedeutung dieses besonderen Kunstwerks im Gesamtwerk des Künstlers. Es ist nicht nur ein eigenständiges Meisterwerk, sondern stellt auch die Fähigkeit des Künstlers dar, dynamische Bewegungen einzufangen und durch seine Werke zeitlose Erzählungen zu vermitteln. Zusammenfassend lässt sich sagen, dass Okumura Masanobus künstlerisches Erbe auch Jahrhunderte nach seinem Tod das Publikum weiterhin inspiriert und fesselt. Masanobus Hashira-e (Säulendrucke) mit der Darstellung von „Shoki“ sind nach wie vor eine herausragende Darstellung seines Genies und zeigen seine Fähigkeit, seinen Holzschnitten Leben und Bewegung zu verleihen. Seine gekonnte Darstellung des Shoki, ausgeführt mit seinen charakteristischen dicken, fließenden schwarzen Linien, fängt den Dämonenbezwinger mitten in Raum und Zeit eingefroren ein, als würden wir Zeuge dieser Legende, wie sie an unserer Schlafzimmertür vorbeischreitet. innerhalb der Grenzen der schmalen japanischen Säule. Rechts: Masanobu „Der Vater der japanischen Säule“. Die Linien und Formen sind meisterhaft ausgeführt, ebenso wie Masanobus Nutzung der engen Raumgrenzen, die Hashira-e-Designs innewohnen.

Hiroshi Yoshida war ein japanischer Maler und Holzschnittdrucker des 20. Jahrhunderts. Er gilt als eine der führenden Persönlichkeiten bei der Wiederbelebung der japanischen Druckgrafik nach der Meiji-Zeit im Jahr 1912. Hiroshi Yoshida wurde am 19. September 1876 in der Präfektur Fukuoka in Kyushu im Süden Japans geboren. Er wurde als Hiroshi Ueda als zweiter Sohn von Ueda Tsukane, einem Lehrer aus einer alten Samurai-Familie, geboren. Doch 1891 wurde er von seinem Kunstlehrer Yoshida Kasaburo adoptiert und nahm seinen Nachnamen an. Im Alter von 19 Jahren wurde er nach Kyoto geschickt, um bei Tamura Shoryu, einem bekannten Lehrer für Malerei im westlichen Stil, zu studieren. Im folgenden Jahr ging er nach Tokio, um eine Privatschule zu besuchen, wo er auch der Meiji Fine Arts Society beitrat. Diese Institutionen lehrten und förderten Malerei im westlichen Stil nach der Öffnung Japans im Jahr 1868 nach 200 Jahren Shogunatsherrschaft. Yoshida reiste weit und sein Portfolio an Entwürfen stammt von berühmten Wahrzeichen und wurde im traditionellen japanischen Kunststil, gepaart mit seiner Ausbildung im Westen, ausgeführt. Das Taj Mahal, der Yosemite-Nationalpark und der Grand Canyon sind einige bemerkenswerte Gebiete, die er in seine Drucke einbezog. Below Night in Taj Mahal No. 6 Von 1899 bis 1901 unternahm Hiroshi Yoshida den ersten von vielen Besuchen in den USA und Europa, wo er erfolgreich ausstellte, künstlerische Kontakte knüpfte und seine Aquarelle verkaufte. Seine erste amerikanische Ausstellung fand im Detroit Museum of Art (heute Detroit Institute of Art) statt. Im Jahr 1902 war Hiroshi Mitbegründer der Taiheiyo-Gakai (Pacific Painting Organization) und seines Marktes im Westen für seine Arbeiten und ging 1903–1907 mit seiner Stiefschwester und Künstlerkollegin Fujio (der Tochter) in die USA, nach Europa und Nordafrika seines Adoptivvaters), den er nach ihrer Rückkehr heiratete. Von da an bis 1920 konzentrierte er sich auf Öl- und Aquarellmalerei in dem leichten und luftigen Stil, den er im Westen gelernt hatte. 1920 präsentierte Yoshida seinen ersten Holzschnitt auf der Watanabe Print Workshop, organisiert von Watanabe Shōzaburō (1885–1962), Verleger und Verfechter der Shin-Hanga-Bewegung, der einen Künstler im westlichen Stil für die Erstellung traditioneller japanischer Holzschnitte suchte . Tragischerweise brachte das große Kanto-Erdbeben am 1. September 1923 eine Katastrophe über die Metropolregion Yokohama-Tokio, die fast vollständig niederbrannte. Da das gesamte Stadtbild fast vollständig aus Holz bestand, waren Brände ein häufiges Problem, da es nicht das erste Mal war, dass unkontrollierte Brände Tokio zerstörten. Yoshidas Haus wurde niedergebrannt, zusammen mit den ursprünglichen Holzblöcken und Entwürfen, die er aufbewahrt hatte. Dieselben Brände zerstörten fast alle ersten Skizzen und Gemälde von Kawase Hasui sowie das Druckatelier von Watanabe Shozuburo. Die Original-Holzschnitte fast aller Shin-Hanga-Künstler, die Watanabes Atelier im Jahr und um 1923 nutzten, gingen in Rauch auf und gingen der Welt verloren. In den darauffolgenden Jahren nach der Katastrophe lockerte Watanabe seine strenge Politik, die vor dem Erdbeben die Anzahl der in der Erstausgabe herausgegebenen Exemplare auf nicht mehr als 100–200 Exemplare beschränkte. Die Anzahl der zweiten und dritten Auflagen variierte je nach Beliebtheit des Designs und lag typischerweise zwischen 200 und 400. Als Watanabe und seine Truppe von All-Star-Shin-Hanga-Künstlern damit begannen, die Teile ihres Lebenswerks in die Hand zu nehmen, veröffentlichte er nun manchmal 300 Drucke in der ersten und noch größere Mengen in der zweiten und dritten Auflage, von denen viele keine Markierungen trugen zur Ausgabe. Viele seiner meistverkauften Entwürfe wurden neu gestaltet, wobei Gerüchten zufolge einige Entwürfe sogar zehn- bis zwanzigtausend Mal gedruckt wurden, obwohl das niemand genau wissen kann. Yoshida reiste erneut in die USA, um Geld für sich und andere zu sammeln. Er tourte durch den Westen der USA und erkannte, dass in Nordamerika hervorragende Drucke dringend gesucht wurden. Nach seiner Rückkehr gründete er sein Studio und begann, seine Entwürfe in gedruckter Form zu produzieren. Ab 1925 widmete Yoshida seine Karriere der Druckgrafik, überwachte alle Aspekte ihrer Produktion und hielt sehr hohe Standards ein. 1931 erschien eine Reihe von Drucken mit Szenen aus Indien, Pakistan, Afghanistan und Singapur. Sechs davon waren Ansichten des Taj Mahal in unterschiedlichen Stimmungen und Farben. Originale Holzschnitte von Hiroshi Yoshida werden von mehreren Museen weltweit aufbewahrt, darunter dem British Museum, dem Toledo Museum of Art, dem Brooklyn Museum und der Harvard Art Collection. Der traditionelle Prozess der Herstellung japanischer Holzschnitte erforderte drei streng getrennte Fähigkeiten: der Künstler, der das Druckmotiv entworfen hat, der Schnitzer und schließlich der Drucker und Verleger. Im Gegensatz zu diesem traditionellen Ansatz glaubten die Sosaku-Hanga-Künstler, dass der Prozess der Erstellung eines Drucks – Design, Pflege, Druck – vom Künstler selbst durchgeführt werden sollte. Die Drucke aus dieser Zeit wurden mit dem Jizuri-Siegel versiegelt – Jizuri bedeutet „selbst gedruckt“ und soll die Tatsache verdeutlichen, dass er eine wichtige Rolle im Druckprozess gespielt hat. Morning mist on Taj Mahal no. 5 In der Watanabe-Druckerei hatten Maler, Schnitzer und Drucker gleichermaßen Einfluss, wobei der Verleger der oberste Direktor war. Hiroshi Yoshida glaubte, dass der Maler als ursprünglicher Schöpfer des Entwurfs die höchste Autorität haben sollte und dass er als Maler die Schnitzer und Drucker beaufsichtigen und dabei jeden Schritt der Produktion leiten sollte. Einer der Gründe, warum er sich von seiner früheren Zusammenarbeit mit der Watanabe-Druckerei trennte, war, dass er vom Gemälde bis zum Druck die vollständige Kontrolle über seine Drucke haben wollte. Er sagte, er benötige mehr Fähigkeiten als die von ihm betreuten Kunsthandwerker, um ihre Talente voll auszuschöpfen, weshalb er ständig bestrebt sei, sein Wissen über Holzschnitt- und Drucktechniken zu erweitern. Hiroshi Yoshidas Kunst förderte eine künstlerische Linie, die über vier Generationen hinweg das Familienerbe von Yoshida pflegte, darunter zwei von Hiroshis Söhnen, Toshi Yoshida 吉田 博 (191,1-1995) und Hodaka Yoshida (1926-1995). Weitere Werke des Künstlers: Farm House Noka von Hiroshi Yoshida Jizuri Seal Fujiyama aus Okitsu von Hiroshi Yoshida Jizuri Seal Nacht in Kyoto von Hiroshi Yoshida Ein Blick auf den Ueno-Park von Hiroshi Yoshida Jizuri Seal Der Kirschbaum in Kawagoe von Hiroshi Yoshida Omuro von Hiroshi Yoshida Frühlingsregen in Yozakura von Hiroshi Yoshida Jizuri Seal Plum Gateway von Hiroshi Yoshida Jizuri Seal In einem Tempelhof von Hiroshi Yoshida Chion-in-Tempeltor von Hiroshi Yoshida Teehaus im Azaleengarten von Hiroshi Yoshida Jizuri Seal DREI KLEINE INSELN von Hiroshi Yoshida NEBELTAG IN NIKKO KAGURAZAKA DORI NACH EINER REGENNACHT GERICHTSMETRAGE NEU Allee der Kirschbäume von Hiroshi Yoshida Jizuri SeaL Was ist der Shin Hanga-Stil? Shin Hanga – eine japanische Kunstrichtung, die westliche Elemente mit dem traditionellen japanischen Holzschnitt verbindet. Anstatt einen westlichen Kunststil zu imitieren, konzentrierte sich diese Bewegung hauptsächlich auf traditionelle Themen wie Landschaften, schöne Frauen und Schauspielerporträts. Wie erkennt man eine Hiroshi Yoshida-Signatur? Die Signatur von Hiroshi Yoshida kann je nach Eindruck oder Zielgruppe variieren. Einige Druckbeispiele weisen japanische Signaturen mit Suma-Tinte auf. Abgesehen vom grafischen Design hat die Signatur von Hiroshi Yoshida viele Verwendungsmöglichkeiten. Am Ende wartete Hiroshi Yoshidas Druck auf eine Nachfrage und signierte ihn. Hiroshi Yoshida-Drucke haben unterschiedliche Werte, die von Hunderten bis Hunderten reichen. Was bestimmt den Wert von Hiroshi Yoshida-Drucken? Die Arten von Kunstwerken und ihre Qualität beeinflussen den Wert des Kunstwerks. Mehrere Varianten in Hiroshito Yoshidas Kunstwerken helfen dabei, seine Schöpfung zu identifizieren. Drucke mit roter Inschrift gelten als die wertvollsten, da sie relativ selten sind, da die meisten Jizuri-Siegel schwarze und braune Prägungen haben. Japanische Kunstwerke und Holzschnitte von Hiroshi Yoshida Taj Mahal (1932) Hiroshi Yoshida, Morning Mists on Taj Mahal, Nr. 5 Hiroshi Yoshidas Taj Mahal-Gemälde zeigen einige Bilder, die Yoshida während seiner Reisen während seiner Karriere aufgenommen hat. Die strahlende Sonne Indiens bietet Yoshida eine optimale Atmosphäre, um die kühle Luft der Bäume und den Schatten auszugleichen. Taj Mahal hat in dieser Hinsicht schon immer herausgeragt. Getreu ihrer Form tragen die Menschen, die der Künstler Hiroshi Yoshida darstellt, farbenfrohe Farben, um ihre Umgebung hervorzuheben und der Umgebung eine tiefere Tiefe zu verleihen. Tempelhof (1935) Die Panoramablicke auf den Tempelhof spiegeln Yoshidas Fähigkeit wider, Farbe, Form und Farbe nahtlos zu integrieren. Kirschblüten und rosa Himmel kontrastieren mit Blautönen, die für einen Kontrast im Hintergrund sorgen. Der Tempel befindet sich in der Mitte und die farbenfrohen Kimonos der Frauen lenken den Blick auf die Szene. Unter seinen vielen Talenten war Yoshida ein begabter Fotograf. Die Spiegelung auf dem See ist unvollkommen, sodass man sich leicht vorstellen kann, dass das Wasser berührt wird. Pittsburgh (1928) Es misst 14x5 Zoll. Hiroshi Yoshida rief ebenfalls den Abend in Pittsburg an. Er fertigte diese Holzschnitte im Jahr 1928 an. Sanfte Himmel kontrastieren mit tiefen, stimmungsvollen Farben auf einer Brücke/einem Boot. Ein negativer Raum, der einen Nebel darstellt, kann mit einem warmen, gelben Licht vergrößert werden, das das von seiner Oberfläche reflektierte Boot beleuchtet. Hiroshi Yoshida, im Tempelhof. Grand Canyon (1925) Grand Canyon-Drucke messen 11,5 x 16 Zoll. Helles Blau und Orange verleihen Schluchten mehr Dimension, während tieferes Blau, Grün und Grau den Kontrast verstärken und den Eindruck erwecken, dass die Sonne einen Teil erleuchtet. Mount Rainier (1925) Dieses Gemälde gehört zu Yoshidas frühesten Werken und zeigt die amerikanische Landschaft. Das Stück misst 15 x 21 Zoll und ist für den Künstler ein größeres Format. Yoshito, Taj Mahal Nummer 1. Kameido-Brücke (1927) Die Kameido-Brücke ist Teil der 12-teiligen Serie, die als Meisterwerk von Hiroshi Yoshida bekannt ist. Es hat 75 Drucke. Der charakteristische Kontrast zwischen Rosa- und Blautönen zeigt sich auch bei dunkleren Farbtönen.

An Edo Gallery Blog Oben: Nr. 23 Morozumi Bungo-no-kami Masakiyo von Utagawa Kuniyoshi (1797–1861) aus seiner Serie „Mutige Generäle der Provinzen Kai und Echigo: Die vierundzwanzig Generäle des Takeda-Clans“ (Kôetsu yûshô den, Takeda ke nijûyon shô), veröffentlicht in den Jahren 1848 bis 1849 (Bild mit freundlicher Genehmigung einer Privatsammlung 2023). Ist es ein Wunder, dass der Herr von Bungo Morozumi Masakiyo, ein treuer Gefolgsmann des alten Hauses Tekada, der als einer der vierundzwanzig legendären Gefährten gilt, denen Daimyo Takeda Shingen aus der Provinz Kai am meisten vertraut, zweimal stirbt? Oder hat er... Der Herr von Bungo, der sich weigert, einfach „in Frieden zu gehen“, wenn er nicht das Schicksal des Todes erleidet oder den Makel der Niederlage durch seine Feinde erleidet, schlägt zuerst mit dem Griff seines Katana zu, die Handschuhe umklammert mit nacktem Stahl, und führt gleichzeitig die Spitze in sein dämonisches Maul, wodurch eine Landmine zur Explosion gebracht wird , beging Seppuku auf explosive Art und Weise, seine Ehre intakt. Als wahrer Anhänger des „Bushido-Kodex“ wird Masakiyos „Wir sehen uns in der Hölle“-Geste in der japanischen Samurai-Überlieferung verankert, als er während der Schlachten zwischen den Truppen von Takeda Shungen aus der Provinz Kai und Kenshin einen der drei glorreichen Tode stirbt Tora der Provinz Echigo zwischen 1553 und 1564 in Kawanakajima. Unten: Masakiyos schwieriger Kampf aus den Taiheiki-Chroniken (Taiheiki Masakiyo nansen no zu) von Tsukioka Yoshitoshi. Yoshitoshi, ein leidenschaftlicher Schüler und Schützling von Kuniyoshis Schule (Nachahmung ist der höchste Respekt), würdigt das Genie seines verstorbenen Meisters in dreifacher Ausfertigung mit seinem eigenen Meisterwerk. Below: Masakiyo's Difficult Battle from the Taiheiki Chronicles (Taiheiki Masakiyo nansen no zu) by Tsukioka Yoshitoshi. An ardent pupil and protege of Kuniyoshi's school, Yoshitoshi  (imitation being the ultimate respect), pays tribute to his late master's genius in triplicate fashion with his own masterpiece. Wer ist also dieser Masakiyo aus Kuniyoshis Explosion, der auch in Yoshitoshis Triptychon abgebildet ist? Ich begann auf Unstimmigkeiten darüber zu stoßen, wer Masakiyo, wie er in Yoshitoshis Triptychon dargestellt wird, tatsächlich ist. Da Yoshitoshis Triptychon den Titel „Masakiyos herausfordernde Schlacht aus dem Taiheiki“ (Taiheiki, Masakiyo nansen no zu) trägt, lässt sich darauf schließen, dass die Szene zum japanischen Taiheiki gehört, einem Epos, das auf Ereignissen im 14. Jahrhundert basiert. Dies kann sofort ausgeschlossen werden, da Schießpulver erst in zwei Jahrhunderten in Japan eingeführt wurde! Yoshitoshi betitelte seine Serie so, um dem Radar der politischen Zensoren des Shoguns zu entgehen, im Gegensatz zu Kuniyoshi, einem häufigen Protagonisten der Zensoren, der sich nicht die Mühe machte, sich an das Gesetz des Shoguns zu halten, das jede Veröffentlichung zensierte, die Samurai-Helden oder ihre Schlachten verherrlichte im späten 16. Jahrhundert, der Zeit vor der sogenannten Edo-Zeit. Das Tokugawa-Shogunat reagierte besonders sensibel auf diesen Zeitraum, da der Tokugawa-Clan schwere Niederlagen gegen den Tekada-Clan erlitt. Erst nach einem Verrat durch Tekadas engste Verbündete konnte Ieyasu Tokugawa Japan endlich wieder unter einem Shogunat vereinen. Die Edo-Zeit markiert den Aufstieg von Tokugawa Ieyasu in den Rang eines Shoguns, der die Stadt Edo als seine Hauptstadt gründete, und damit den Beginn des Tokugawa-Shogunats im Jahr 1604. Yoshitoshis Explosions-Triptychon war der erste Entwurf der beiden „Explosionen“, die ich gesehen hatte. Ich verspüre oft Momente der Nostalgie, wenn ich moderne Anime- oder Comic-Bücher schaue. Oft sehe und spüre ich Yoshitoshis Einfluss und sage mir: „Alle Wege führen zu Yoshitoshis Genie.“ Diese Perspektive änderte sich; Doch in dem Moment, als ich Kuniyoshis „Explosion“-Druck sah, flüsterte die Stimme in meinem Kopf: „Aha, alle Explosionen führen zu Kuniyoshi.“ Als ich nach dem Titel des Drucks googelte, fiel mir auf, dass sich beide Drucke auf eine Figur namens Masakiyo bezogen, und als Kuniyoshis Schüler nahm Yoshitoshi ein wenig kreative Anleihen bei Kuniyoshi, so ist die Art des Genies, oder wie Einstein es treffend ausdrückte: „Er.“ stand auf den Schultern von Riesen.“ Ich war jedoch bestürzt über die Verweise auf Masakiyo und den echten Spitznamen Sato Masakiyo (Katō Kiyomasa), nicht zu verwechseln mit General Morozumi Masakiyo aus Kuniyoshis Druck. Ich dachte, Moment mal, das kann nicht stimmen. Kato Kiyomasa, der im Kabuki-Theater oft gefeiert und stark dargestellt wird, ist zwar für seine Heldentaten im Kampf berühmt, starb aber nie wirklich im Kampf; Er starb im reifen Alter von 81 Jahren, nachdem er von Ieyasu Tokugawa vergiftet worden war! Nachdem ich nun beide „Explosionen“ gesehen hatte, vergingen ein paar Wochen und Eurika! In der einsamen Flaute des frühen Morgens wurde das Genie in mir aktiv oder fand zumindest etwas, worauf ich mich stützen konnte. Ich fing sofort an, die Datei „Kuniyoshi-explosion.jpg“ zuzuschneiden, schrieb hoch über meine SEO-Träume, klatschte mit dem kleinen Finger und dem Abzugsfinger auf Strg + V; Ich habe es direkt unter meiner unterstrichenen und ermutigten Überschrift eingefügt: „Eine Geschichte von zwei Explosionen, Morozumi Masakiyo stirbt zweimal im Ukiyo-e-Stil“, ein Blog der Edo Gallery, H1-Homepage-Immobilien, Baby. Ich muss vom Stuhl gefallen sein, denn das war vor zwei Jahren, oder waren es zwei Kinder? Mein SEO-Höhepunkt wurde schon lange zunichte gemacht, weil das Marketingteam von Soken Wix mein Handy mit seinen schicken L.A.-Vorwahlen zuspammt; es packt mich jedes Mal. Fortgesetzt werden....

Im Jahr 1920 veröffentlichte Hasui sein erstes Bild vom fallenden Schnee, das sowohl bei Sammlern als auch bei Kritikern weltweit große Anerkennung fand und schnell zu seinem bekanntesten und begehrtesten Motiv wurde. Die reinigende Wirkung des Schnees auf die Landschaft verleiht der Szene Ruhe und die leuchtend roten antiken Tempel, die Hasui rund um Tokio gefunden hat, gehören nach wie vor zu seinen besten und originellsten Werken. Klarer Himmel nach Schnee, Kannon-Tempel Asakusa, Hasui 1926 Im Jahr 1923 verursachte das große Tanto-Erdbeben weitreichende Zerstörungen in Tokio, vor allem durch die wütenden Brände, die überwiegend hölzerne Gebäude zerstörten, was manche als ein Meer aus wirbelnden Tornados und Feuerwänden beschreiben, die der Zorn Gottes über die Japaner gebracht hatte. Hasuis Haus sowie sein Lebenswerk aus Skizzenblöcken und Gemälden wurden von den Flammen vernichtet. Sein Hauptverleger, das Atelier von Watanabe Shōzaburō, wurde ebenfalls zerstört, wodurch alle originalen geschnitzten Holzstöcke einiger Shin-Hanga-Künstler verloren gingen. Aus dem Tanto-Beben von 1923 leitet sich der Begriff „Vor-Erdbeben“ bei der Beschreibung von Shin-Hanga-Drucken ab. Hasui-Drucke lassen sich typischerweise in drei Hauptkategorien einteilen, basierend auf dem tatsächlichen Zeitpunkt ihrer Herstellung, was oft verwirrend ist und/oder Sammler in die Irre führt, da viele ohne Angabe ihres „Afterlife“-Ausgabestatus verkauft werden. Diese bis heute gedruckten Ausgaben für das Leben nach dem Tod wurden alle entweder unter Verwendung der Originalblöcke gedruckt, die immer noch in gutem Zustand sind, von S. Watanabe aus der Zeit direkt nach dem Erdbeben bis zu seinem Tod neu geschnitzt oder noch später von Watanabes Enkel kopiert. der jetzt das Studio leitet. Diese Nachdrucke machen den Großteil des Hasui-Marktes aus, der heutzutage in vielen Internetangeboten zu finden ist, und bieten einigen Sammlern eine erschwingliche Möglichkeit, einen „Hasui“ zu sammeln/zu besitzen, solange sie nicht zu irreführenden Bedingungen verkauft werden. Fortgesetzt werden...

Der Drache nähert sich dem Berg Fuji. Katsushika Hokusais E-Hon-Seite Das aus dem Japanischen übersetzte Wort ukiyo-e bedeutet wörtlich „Bilder der schwebenden Welt “. Die schwebende Welt der japanischen Edo-Zeit (1614–1869) ist eine Metapher für den Rotlichtviertel-Lebensstil, der von einer aufstrebenden Kaufmannsklasse aufgebaut und aufrechterhalten wurde. Um die Ursprünge dieser Rotlichtviertel zu verstehen, müssen wir auf die Anfänge der Geschichte des japanischen Feudalsystems zurückblicken, das Hunderte Jahre später als die Feudalstaaten Europas begann. Kuniyoshis Pfeilregen. Die Krieger der Südlichen Dynastien wurden von einem Pfeilhagel einer großen Anzahl nördlicher Truppen angegriffen. Die Schlacht von Taipingji. Ein historisches Epos, das den Untergang der Süddynastie und die anschließende Abspaltung der Linie des Südkaisers beschreibt. Der Aufstieg des Shogunats erfolgte in drei verschiedenen Perioden, in denen der „Qing-Dynastie-Shogun“ (kurz für „Totale Unterdrückung der Barbaren“) auf den Thron des Kaisers des Heiligen Reiches gesetzt wurde. .. Historisch gesehen war der Titel eines Shogun ein von der kaiserlichen Regierung erlassener Befehl, der das Oberhaupt einer mächtigen japanischen Familie zum Militärbefehlshaber erhob. Die ersten Generäle wurden im achten und frühen neunten Jahrhundert ernannt, als es darum ging, Armeen gegen nördliche Stämme zu führen. Ihre Befugnisse beschränkten sich strikt auf militärische Angelegenheiten. Die Edo-Zeit begann, als Tokugawa Ieyasu, das Oberhaupt der Tokugawa-Familie, den Sengoku-Daimyo besiegte und Japan unter dem Shogunat vereinte. Im Jahr 1603 gründete die Tokugawa-Dynastie die Hauptstadt Edo-Stadt (heute Tokio) und begann die Edo-Zeit des japanischen Lebens. Handwerker stellen Holzfässer her. Adaptiert von Katsushika Hokusais „Sechsunddreißig Ansichten des Berges Fuji“. Die neue feudale Shogunat-Regierung stärkte das Kastensystem und teilte das japanische Volk nach Klassen. An der Spitze dieser Klasse stand die Samurai-Klasse, der Shogun selbst, oder genauer gesagt, die dem Shogun treu ergebenen Samurai, die die lebendige Verkörperung von Stärke, Ehre und Familiennamen waren. Ich kann völlig ungestraft tun und lassen, was ich will. Unter dem Shogun erhielten Daimyō die Macht, die Provinzen mächtiger Clans zu regieren und zu verwalten. Die Abstammungslinie der Samurai wurde über Nachnamen weitergegeben, sodass die Angehörigen der Samurai-Klasse ihren Rang bei der Geburt erhielten. Bauern und Bauern bildeten zusammen mit Handwerkern die zweite Bevölkerungsgruppe. Denn ihre Arbeit produziert die Rohstoffe, die die Gesellschaft zum Funktionieren braucht. Im feudalen Japan galten Samurai, Bauern und Handwerker als unfähig, mit Geld umzugehen oder ihren Lebensunterhalt durch Tauschhandel und Tausch zu bestreiten. Diese „schmutzige“ Arbeit wurde den untersten Ebenen der Kaufmannsklasse oder den Geldverwaltern überlassen. Für die Japaner sind Ehre und Familie das Wichtigste, und es gilt als unehrenhaft, von den Früchten der Arbeit anderer zu leben. Händler kaufen einfach von einer Person und verkaufen sie zu einem höheren Preis an eine andere Person. Es gilt als „unrein“, weil es die Grundbedürfnisse der Gesellschaft nicht erfüllt. Der Aufstieg der dritten und letzten Shogunats-Dynastie war größtenteils das Ergebnis der Nostalgie nach den „alten Sitten“, einer Gesellschaft ohne ausländischen Einfluss, die begann, die Struktur der japanischen Gesellschaft zu verändern. Westler landeten erstmals 1543 auf den japanischen Inseln, doch im 16. Jahrhundert glaubten viele, ihr Einfluss sei schädlich. Auf diese Weise wurde der japanische Archipel von den „barbarischen Praktiken“ des Westens isoliert und erlebte eine Zeit relativen Friedens und Wohlstands. Erst 1853 segelte US-Admiral Perry mit vier Schiffen in den Hafen von Tokio und zwang das Shogunat, die japanischen Inseln im Westen zu öffnen. Drachenfliegen von Hiroshige Ando. Am Ende der Edo-Zeit wuchs die Klasse der Kaufleute stark und die Nachfrage nach Handelsgeschäften stieg rasch an. Das Rotlichtviertel wurde bald zum Unterhaltungszentrum des japanischen Volkes und schuf eine Gesellschaft unter dem alten Feudalsystem, in der Kreativität und Schönheit die Währung des Königreichs waren. Eine Welt voller wunderschöner Geishas, Kabuki-Theater und künstlerischer Eindrücke. Dies kam in Form von Holzschnitten der großen Ukiyo-e-Künstler zum Ausdruck, die nicht nur eine neue Kunstform begründeten, sondern auch japanische Schönheit und „japanische Ästhetik“ in die Welt brachten. in andere Teile der Welt. Es wird ihren Stil, ihre einzigartige Perspektive und ihren Lebensstil für das Sehvergnügen künftiger Generationen verewigen.

Autor: Roland Oliver Wenn Sie die Auktionsergebnisse genau verfolgen, sind Ihnen vielleicht die jüngsten Zuschläge in Auktionshäusern von New York bis Tokio bekannt. Beginnen wir mit der Tatsache, dass der Preis für japanische Drucke unglaublich schnell steigt. Denken Sie zum Beispiel an den Weltrekordpreis von 1 Million US-Dollar pro Punkt (+ Zuschlag) für „The Great Wave“ der Künstlerin Katsushika Hokusai bei einer Christie’s-Auktion in New York, Japan, am 22. September 2020. Nach Abzug der Auktionsgebühren betrug der Betrag 1,3 Millionen US-Dollar. Nur drei Jahre nach der Auktion bei Christie's in New York bleibt der mittelmäßige Eindruck von „The Big Wave“. In weniger als drei Jahren wurde es für 2,8 Millionen US-Dollar verkauft, doppelt so viel wie der Listenpreis vom September 2020. Gleichzeitig erlebte die japanische Druckgrafik-Community auch etwas, das damals wie ein Zufall wirkte. Harshui, ein Werk des Künstlers „Zojoji“, ist erneut bei Christie’s für einen Zuschlagspreis von 75.000 US-Dollar erhältlich. Das Auktionshaus Christie's in New York stellte einen neuen Weltrekord auf, als es eine Erstausgabe des letzten bekannten Drucks eines Künstlers namens Hasui für 80.000 US-Dollar verkaufte. Ein weiteres Highlight war ein mit Metallpigmenten verziertes Faltobjekt mit der Darstellung eines flussabwärts schwimmenden Karpfens, das einen Weltrekord-Zuschlagspreis erzielte. Was bedeutet also  ? Darüber hinaus hat sich der Weltrekordpreis in nur drei Jahren verdoppelt. Auch die Preise für neue Halbbilder und Original-Halbbilder stiegen insgesamt. Werden diese Preise die Herbstverkäufe der Asia Art Week überleben oder wird die jüngste Rekordpreiswelle ein Ende haben? Da die Wirtschaft im Rampenlicht steht und die Welt in einer wilden Inflation steckt, suchen die Menschen nach neuen Orten, an denen sie ihr Geld anlegen können. Die japanische Kunstwelt könnte sich in diesem Herbst auf eine neue Welle von Rekordpreisen einstellen.